陈丹青作品(陈丹青的主要成就及评价。)

陈丹青作品

网上有关“陈丹青作品”话题很是火热，小编也是针对陈丹青的主要成就及评价。寻找了一些与之相关的一些信息进行分析，如果能碰巧解决你现在面临的问题，希望能够帮助到您。

在横跨几百年的历史中，停留在我们脑海中的只剩下几个名字；在被简化的历史中，名作总是被过度谈论。

陈丹青就像另外一只眼睛和视角，带我们发现那些我们忽视的时代、人物与作品，带我们重新思考被定义好的定义。

最近在看 《局部》第三季第3集《中古的回光：契马布埃与乔托》 ，他又一次打破了常规认知，唤醒我的思考。

图来源于《局部》

故事发生在中世纪与文艺复兴交接的13世纪，一对师徒之间：师傅契马布埃与徒弟乔托

师徒二人代表两个时代的不同风格：

师傅代表着中世纪、徒弟代表着文艺复兴。

（在欧洲的美术史中，乔托被认为是文艺复兴的祖师爷。）

图来源于《局部》

什么是中世纪的艺术？

特点是：

端端正正，没有动作，没有透视，没有立体感，没有光影

乔托的革命性贡献，是告别中世纪的偶像画。

他开始描绘人物的各种表情、动作、角度。配置人间的树木、房屋等场景，还出现了“远小近大的透视法”。文艺复兴时期，这种焦点透视法成为虚拟真实的法则。

陈丹青在此处说：

回看师傅契马布埃的作品，没有景物、造型单一简单、可情绪多么的激烈饱满，笔势多么生猛有力

这才是绘画的力量，在此，乔托的革命性反而显得弱了，繁琐了，不重要了。

在此，我们用这对师徒来类比儿童绘画的发展。

艺术发展的脉络如儿童绘画发展的历程

涂鸦期的孩子，就像是契马布埃的作品，简单、单一、不丰富，但自由表达的笔势、自在的情绪流露与自发的动力。

逐渐步入写实期的孩子，像乔托的作品，细节繁多、动作顺畅、画面丰富、成熟。

有位20世纪的批评家说契马布埃“缺乏技巧”，英国现代主义批评家弗莱的反驳是：契马布埃一点不缺乏技巧，而是他不具有19世纪习惯看到的那种“再现的真实”，那种技法所谓的科学性。

回到儿童绘画：

有没有想起我们成人对待象征期孩子的语言评价：“画的一点都不像”，就如批评契马布埃“缺乏技巧”我们依旧可以用以上这句话回应：“ 他们一点也不缺乏技巧，而是他不具有我们成年人所认可的那种“再现的真实”。

艺术发展的脉络如儿童绘画发展的历程，经历着不同的时期，有着不同的阶段。

艺术不是进化链

美术史一再试图传递给我们的信息，是艺术在不断的进化：从13到19世纪，从幼稚到成熟、简单到复杂、从原始到现代，从蒙昧到科学……

陈丹青说：

问题就在这里： 艺术不是进化链,不要以为越是后来的艺术，越是好。

因为伴随于此，画家的直觉、感性、天趣，被日益规范，绘画的自发性、自由度、自在感，逐步缺失。

直到20世纪的才被现代主义绘画找回，塞尚、高更，他们培根、马蒂斯、毕加索，该追求的反而完全摒弃了这所谓的进步，他们在追求的是绘画的另一种维度，饱满的、开放的放肆与纯真。

毕加索这句著名的话：“我用了四年学习画得像拉斐尔一样好，却用一辈子学习如何画得像一个孩子。”也恰恰印证了这一点。

儿童绘画发展的历程艺术发展的脉络，也不是进化链，不是越长大后越成熟的作品，越是好。

儿童发展的脉络

儿童绘画的发展，随着不同的阶段在展示着不同的样子。

涂鸦期时，他自由的表达，虽然画的不像成人脑海中期待的那样真实，但这时最宝贵的就是他享受此刻表达自己的无所顾忌，他在体验世界。

只有享受过艺术带给他自信和表达的孩子，才能在接下来的象征期、写实期，走的更长远，更坚定自我的表达。

如果在涂鸦期，将成人的具象意识强加给孩子究竟会发生什么呢？

试着想象一个场景：

3岁的小明拿着笔在纸上开心的画着，

（他在探索自己的手部运动与外界的关系，感受对肢体的掌控）

成人说：“你在画什么？”

（没有意识到孩子的真正需求）

“能画朵小花吗？”

（成人没有意识到这个阶段的孩子对图形还没有概念，画一个图形是件不可思议的事情）

涂鸦阶段还没有图形概念的孩子也许会“求助”说：“你来画吧。”

出于“好意”或者想要摆脱纠缠，成人开始在纸上画了一朵小花。

于是，孩子不再开始涂鸦，

开始模仿这个看起来很厉害的花。

在不断的模仿中，纸上开始出现很多“一个圆圈五个花瓣”的花

孩子也表示很自豪，成人看到后很开心。

这个过程中，成人的“好意帮助”看起来似乎加快了涂鸦期的过度，但是究竟少了些什么？

孩子只是刚刚发现了他的手臂运动会留下痕迹，运动与运动之间的关系，这种协调关系对他的运动能力、动手能力、语言能力都会产生帮助。但，在这种“帮助”的干预下，戛然而止。

孩子刚刚探索到自己独立的行为，感受到他可以控制线的能力和自信。也在这种“帮助”的干预下，缺失。

随着年龄的增长，他依旧只会画着这一种花，他的眼睛再也不观察到世界多姿多彩的各种花，他也不觉得画画是一个表达自我的过程，似乎变成了取悦大人的工具。

很快，他就不会再享受画画的乐趣，绘画发展的道路也被切断。

每一个成长历程都有其魅力

大自然希望儿童在成人以前就像要像个儿童的样子。

如果我们打乱了这个秩序，

我们就会造出一些早熟的果实，

它们长得既不丰满也不甜美，

而且很快就会腐烂。

我们将造成一些年纪轻轻的博士和老态龙钟的儿童。

艺术不是进化链，艺术发展的每个阶段都有其魅力，并不是越后来的，就越好；

儿童艺术发展也不是进化链，每一个成长历程对他完整而独立的人格有着不可或缺的作用，并不是越早跳跃阶段，就越好。

我们能做的，就是保护他们在每个阶段都充分体验、提供合适的引导让他们的所思、所想、所感充分表达。

艺术将在他们快乐而无所畏惧的人生中一路陪伴。

陈丹青的主要成就及评价。

画家属于艺术圈的领域，本人对艺术圈不熟，但是我喜爱画画，知道这位名叫陈丹青的画家。这位曾经向往自由而去追寻“美国梦”的大画家，在美国混不下去回到国内后，如今却是名利双收，真是令人感慨不已。

油画起源于欧洲，是意大利天主教士利玛窦等人来华传教，把欧洲油画作品带进中国

自此油画在中国发展起来，与中国的绘画融合发展至今。1949年以后，中国的油画进入了全新的发展时期。

老解放区和国统区的画家汇成团结的队伍，巨大的社会变革使油画创作从内容到形式都有了深刻的变化。现在在我们外行人来看油画的发展可能并没有那么的繁华。

即使没有那么繁华，但在中国油画领域还是有着代表性的人物，陈丹青就是其中之一

他有一句名言“艺术家是最狂的，最自得其乐的一种动物。真的美术史是什么，是一声不响的大规模淘汰。”，从他的语录中能看出他为人的放荡不羁、爱自由的性格。

他是当代最具影响力艺术家，作家，文艺评论家，学者。他的代表作有 《西藏组画》《退步集续编》等作品，他的画风与文风，都具有一种优雅而朴素；睿智而率真的气质，洋溢着独特的人格魅力。

早年的陈丹青曾经去美国发展自己的艺术

他崇尚、向往美国的自由，他觉得那是他理想的国度，但是到了美国后发现自己的期望与现实存在着巨大的差距。

去了美国后语言的困难、环境的不适应、种族的歧视围绕着他，连维持基本的生活都是困难，何谈追求理想。

他靠卖画来维持生计，而他所举办的画展也基本没有人来观赏，有的也是华人，这对于陈丹青来说是极其打击信心的一件事吧。

后来陈丹青又回到了中国，他在美国的艰难经历也只有他自己知道

而旁人只当陈丹青是学有所成之后回国的，那个年代出国留学回国后，大家都会以为他是成功人士，他担任了清华大学美术学院的教授、博士生导师。

而这些荣誉将他的身价拔高，他在经历了美国的冷场到回国后的热烈追捧，他的言行开始违背事实、美化自己，将自己在美国的经历以及对美国的自由传输给中国人，而对于自己的国家发表了不当言论。

这种违背事实的自夸，迟早会被人拆穿，何必呢？诚实些不好么？中国的油画融合了中国传统画作的元素，外国人接受不了很正常，真正该做的是想办法消除这种差异，使得中国油画走出去。

陈丹青《西藏组图》鉴赏心得

陈丹青的主要成就如下：

1、画家的作家

作为作家的陈丹青，出版了一系列文学作品：《纽约琐记》《外国音乐在外国》《多余的素材》《退步集》等十几部书。内容涉猎社会、文化、艺术、教育、文学、人物、历史、音乐、建筑、两性、城市等等方面。

其中2005年出版的《退步集》售出10万册，至今已第19次印刷；《多余的素材》在北京三联书店上柜仅一周，便以近千册的销量登上排行榜；陈丹青的书都是畅销书的头几名，香港2008年最受欢迎50本书，第一个就是他的《荒废集》，而且台湾也将出版他的书。

写作是他于绘画、演讲之外的又一巨大影响。陈丹青曾问读者，“为什么喜欢读我的文章呢？”有人答：“大约我们压抑太久了吧。”还有人答：“看你的文字很爽。”陈丹青文字的魅力，部分源自性情、器识；另一部分则和他的画一样，建基于强大的写实功力。

2、快意的冲突

关于绘画与写作，陈丹青如是说：“很多感受没法放到画里面去，因为绘画就是绘画，它说的是另外一套语言。但写作可以让我很好地表达：比如纽约我不会去画他，但我可以写它，这是写作过瘾的地方。《纽约琐记》尽可能地描述一个真实的，你可以有呼吸感的空间。

我只是以一个纽约居民的身份写这本书的，而不是一个海外艺术家，我不认为有什么动物叫海外艺术家。”“我得承认，书写、演说，令我获得绘画从未给予的快意，而当闭嘴描画时，我再三庆幸画画比我所能想象的幸福，更幸福。人不免有外向或内敛的天性吧写写画画。

是在均衡这天性，抑或是一种我目前尚未了解的冲突？而绘画与写作的功效，比我想象的更差异。前者是享乐的，自私的，后者似乎迎合公众，并被赋予暧昧的责任。”“画家的陈丹青”“作家的陈丹青”“演讲家的陈丹青”“评论家的陈丹青屡屡而为的跨界。

陈丹青锤炼出愈发敏锐多变的眼力和笔力，《退步集》《纽约琐记》《荒废集》表明了陈丹青是个善于思考和善于记录的人，生活的积累在他的身上和文字中酝酿得越发厚重且沉郁。

人物评价

既见君子

人道情感和人格力量是陈丹青艺术中主要的艺术底蕴，这是他本人情感品格的自然体现，浸透了他的自身的经历，包含着他对底层人民的深切理解、怜悯和尊重。这种人道情感与人格力量赋予他的作品以辉煌和崇高的意义。

与丹青远别久矣年复一年依然梦见在一道写生的情景。我自来多病．丹青在侧时，伺护仿佛兄弟，或煨汤药、或做按摩，常等我安睡后，自己方去修憩，同室三年，时时可感觉他待人的情义，一如他观物的体贴，每当我观赏丹青作品时总不免对往者友谊情不能禁的思念。

文学特点

陈丹青是画画的；又在国外待了那么多年，有西式背景。但他的行文、遣词造句，包括他的态度，好像是一个相当典型的中国文人。不是说他首先是画画的，我们就觉得他的文字好，并不是这样。就从文字角度看，都是非常好的。

陈丹青的文字非常有特色，读过以后会有大口吸氧的快感。就文字来说，他绝对是一流的。清新，没有框框，完全是一种没有模式打造的痕迹。令一些作家汗颜。陈丹青的《退步集》纵横捭阖，言辞放达，痛而后快。他说，他喜爱五四时期的文体。

百度百科-陈丹青

赚着中国人民的金钱，却宣传着美国的陈丹青，如今变得怎样？

《西藏组图》的特点是彻底摆脱了前苏联油画多年来对中国油画的统治，开拓“生活流”和“乡土情”之先河，建立了中国油画的又一个里程碑。《西藏组图》被油画界视为1949年以来中国油画在造型艺术上体现现实主义创作精神最成功的作品。组图之一的《牧羊人》在2003年便拍出了187万元的高价。

所谓“西藏组图”，是陈丹青先生七件毕业创作在1980年展出后外界给予的名称。当年作者在拉萨城创作时并没有幅数的预设，更没有作成“组画”的意思。为了背离巨型的、单幅的、叙事的、主题性的文革创作模式，他选择了小尺寸的、多幅的、非叙事的、无主题的作法，一幅接一幅画，每幅画题也务求简单。

在1980年左右的中国美术界，类似的尝试尚属初见。此前长期形成的创作观，是作者提呈一幅巨大的创作，然后给出意义明确的解释。因此陈丹青那些“小画”一露面，便引起评论家的关注，评论家们在同时面对七幅画时，不便一幅幅称其画题，于是统称之为《西藏组图》，沿用至今。

对于很多人来讲，陈丹青这个名字可能是非常陌生。中国的改革开放时间相对于其他部分国家可以说是比较缓慢，尤其是在七八十年代的时候。中国的文化相对于来讲是比较落后的，而陈丹青作为一个出身于农村的人，当时的人们几乎接触不到文化的熏陶。

陈丹青那些令人无法超越的成就。

陈丹青在1980年的时候创造出轰动中外艺术界的《西藏组画》，这一组画可以说彻底的改变了陈丹青。那时的陈丹青不过也只有25岁，用现在的话来讲就是正处在青春奋斗的时期。这一组画作除了带给了陈丹青更好的名誉，在当时处于落后的国家的来讲，还使陈丹青成为了八十年代第一批进入美国的中国公民。

▲《西藏组画》

陈丹青在美国的崇尚自由的十八年

八十年代的美国可以说是一个正在发展的国家，相比较于中国来讲可以说是非常先进的。不管是对于一些文化的知识还是艺术上的造就已经远远的超过了当时的中国，所以那时的陈丹青去往美国在很大程度上也是可以理解。但是对于一个不管是在文化还是在艺术上都要远远高于中国的国家，其中所包含的优秀画家也是非常多的。根据著名画家丁绍光后来所讲述，那时候的陈丹青刚到美国的时候，连最基本的温饱都是很大的问题。丁绍光可以说是和陈丹青在同一时期去的美国，但是丁绍光当时的成就和陈丹青来讲可谓是一个天上一个地下。

▲陈丹青

对于画家而言，开设属于自己的画展可以说是令每一个画家都所向往的。而根据丁绍光所讲当时的陈丹青在美国洛杉矶的时候，在当地的大学也开设了属于自己的画展。像大家展示了新的画作《吻》系列，不过与想象中的事与愿违，不仅没有人捧场，就连搬画的钱都需要自己掏腰包。那是人们对于陈丹青的评价基本上都是：“吃软饭的主，甚至有时候连北都找不到”。听起来或许有些许的讽刺，但是事实情况就是如此。在中国可以名誉事业双丰收而到了美国确成为了吃软饭的人。

尽管在美国的经历并不是十分美好，但是陈丹青在采访的时候仍然在夸赞美国的自由可以带给人别样的感受。

在美国吃软饭的主，在国内却是大受欢迎

2000年的陈丹青回到了国内，一回国就受到了国内各大艺术界的广泛欢迎。毕竟在那个年代“海龟”还是非常少见的，尤其是陈丹青在八十年代的时候就创造出了《西藏组画》这样优秀的画作。所以当时就被清华大学美术学院聘为教授、博士生导师，更甚至为陈丹青专门的成立了“陈丹青研究室”这样纯艺术教学研究室。

▲陈丹青作品

一边令人感到讽刺一边令人感到心痛。中国可以说一直以来都非常崇尚“海龟”，俗话说得好：外来的和尚会念经。所以尽管在美国一直吃软饭度过的陈丹青在回国之后就或得了如此大的荣誉。在被聘为教授之后的日子里，陈丹青可以说在中国走向了顶峰，各种嘉奖各种荣誉扑面而来。

功成名就人人赞赏的陈丹青如何变成了现在“众矢之的”的“臭名远扬”

名誉可以成就一个人，当然在一定程度上也可以毁了一个人。对于陈丹青来讲亦是如此，名誉和周围的赞赏多了起来之后，陈丹青成为了一个社会的评论家。对于画画来讲，《西藏组画》之后陈丹青在没有画出来一副令人们所赞扬的画作。

▲陈丹青

总结

尽管在美国的十八年过得并不是十分的尽人意，现在的陈丹青在采访的时候还是一如既往的崇尚美国的自由。赚着中国人民的金钱，宣传着其他国家。我认为，不管是喜欢陈丹青也好还是否定的也罢，我们都不能也不敢有人否定他的才华。现在的陈丹青可以说在艺术界有着属于自己的一席地位，不管他是痛斥中国的教育也好还是敢于对现在社会中不合理的进行批评也好。我们都得承认除了时势造就了他，其自身的才华也是非常卓越的。



西藏组画的作品欣赏

二十多年来，陈丹青和他的《西藏组画》一直是被关注的焦点。很难再有另外一幅油画作品能够在艺术价值与社会价值上与之等量齐观并且持续地发生影响。《西藏组画》共七幅，1979至1980年间完成于拉萨。它放弃了当时流行的强调主题性思想性的做法，以写生般的直接和果断，描绘了藏民的日常生活片段。七幅画作幅面均在平米之内，这是对文革以来创作“大场面”、“大画面”的一次矫正。这样的尺寸也自然地避免了泛英雄主义、革命主义的壮阔激烈，使得日常生活的呈现可亲可信。画面中人物形象似乎是信手拈来，无论是朝圣的信众，憩息哺乳的母子，都如同目击般真实自然。其中《牧羊人》一画对拥吻的情侣的描绘尤为大胆直白。生理的激情取代了革命的激情，男人仅露背影，强悍有力，女人的动作笨拙僵硬，看似不和谐的种种元素却赋予整幅画面全然不同的美感。既无关于文革时的诸般教条，在西方美术史中亦难有类似的作品可资印证。文革创作中被极力回避的爱情主题首次出现在画布之上，并且如此直露、毫不回避，毫不修饰。

以藏民的日常作为作品的对象或许也是这个转换如此轻易的一个不可避免的客观因素。与当时内地社会情形相较，拉萨的藏民生活无疑是脱离常态的。非常态的对象使得语言的转换自然清新，又恰如其分。西藏特殊的地域性，游离于主流意识形态之外的生存状态，为陈丹青运用就当时而言全新的绘画语言提供了绝好的生活蓝本。

在陈丹青毕业论文《我的七张画中》，他谈及创作的构思过程，可知欧洲油画对其影响之深。直接的肇因则要归结到1978年来华的法国乡村绘画大展。

绘画的动机可以是一念之间。乡村绘画大展于陈丹青是一个契机，算得上是《西藏组画》的引子。然而两相比较，撇开技术上的借鉴，《西藏组画》的文化意义远远超越了法国乡村绘画的影响。

法国乡村绘画的代表人物——即那次大展中打动陈丹青的几位作者——是柯罗、库尔贝、米勒。他们的贡献与价值，除去绘画技巧的更新，更多的在于其反官方、不媚俗的独立姿态。库尔贝举办落选作品展，米勒与潮流决绝，发誓回到乡间走自己的路。这成就了他们在绘画史上的地位，对后来者的影响却是微薄。如稍晚马奈视物的当下直观，印象派诸人处理外光的主动自觉，都不能从他们身上窥见端倪。 《西藏组画》对绘画和非绘画领域的影响同样深远。从绘画的角度来看，《西藏组画》直接引领了国内向欧洲正统油画溯源的风气，大幅度地超越了苏俄的油画技法及单一美学。

另一后果则是80年代中后期乡土题材绘画及少数民族题材绘画的风行至于滥觞。这些绘画作品之中承接《西藏组画》内在意旨的并不多见，不过是顺延了主题绘画的思路，以另一种面貌出现。即是说，在绘画领域，《西藏组画》的思路缺乏真正的继承者。

《西藏组画》在内容上，摒弃了之前一贯高大全的乌托邦式的工农兵形象、群像、大场面，将视野专注于身边、目下、非英雄非主题的生活真实；首次公然地将主题的快感服从于绘画的快感，自然而老练地将革命绘画中粗糙的激情、单调的理想主义转化为浓郁沉着的生命力。语言上亦是鲜明有力的，借鉴了法国乡村画派但不失个人特色。色彩团块厚重，用笔稳健，今日仍难有出其右者。

《西藏组画》并非单纯地追求笔墨的快感和画面本身的构成，因此不仅仅在绘画领域中发生影响。《西藏组画》中体现出来的反矫饰的真实态度，秉持了现实主义的一贯标准，在事实上为其后国内85新潮及现代艺术运动埋下伏笔。这是《西藏组画》更为重要的意义所在。在非绘画领域中反倒容易窥见《西藏组画》蕴含的人文精神。

作为当时新绘画的代表，《西藏组画》与同期的新文学、稍晚的第五代导演的新**，构成了80年代最为重要的文化图景。而《西藏组画》则因绘画的直观与平易成为最先发生影响的文艺作品之一。《西藏组画》从社会主义现实主义的意识形态中脱身而出，在美术及诸多文艺领域得到广泛有效的回应。

这样的影响需退到稍远处方能看清。因为它并不提供技术的方向，也不提供可资借鉴的题材，《西藏组画》的出现仅仅提出了一种可能性——突破社会主义现实主义的可能性。但这在80年代已属难能可贵。其后的85新潮脱离架上，它的引子仍然是《西藏组画》，只是寻求了更为直接有效的表达方式，在《西藏组画的前提下走得更远。

《西藏组画》难于被赋予一个准确历史位置。这恰是《西藏组画》的可贵之处，也是《西藏组画》直到今天仍然可以成为一个命题的重要前提。美术史中重要的作品的意义，便在于它的生命力不限于一时。客观地、开放地将作品重新交给观众，在时空转换后造成的距离感中寻求新的可能性，触及、衍发新的论题，这也是《西藏组画》尚待发掘的巨大价值。

陈丹青画人体，水平不低套路多，请“洋女人”当模特，最后如何了？

提起陈丹青，人们想到的最多的还是他那可以横扫千军万马的“嘴炮”。但凡是能言善事的人，手里都会有点本事，要不然不会那样的持才傲物。陈丹青用古代的眼光来看，这是一个风华绝代的才子。

陈丹青

文艺界对于陈丹青的大名，那是如雷贯耳，基本上没有人说不知道陈丹青的人。陈丹青文艺评论也好，老本行还是画画，尤其擅长画人体画。他画人体水平不低套路多，一般画家画的都是东方女性人体美，而陈丹青则是反其道而行之，请了“洋女人”当人体模特。

陈丹青作品

这可开了我国人体写生的先河，这种别开生面的“西洋景”，让国人也是领会到了别样的异域风情。人们对于人体的艺术表现，一直是游离于隐晦与直白之间。

陈丹青在作画

在这方面上，陈丹青做的是相当的出色。人家对于人物画的精准把控，可谓为人体画打下了一个良好的基础。陈丹青画人物画，那是一个不世出的好手。人家一幅画，基本上轻轻松松就能卖出个3000多万，这双妙手点金的本事也是让其他的画家很是羡慕。不得不说，陈丹青水平不低套路多。人啊，还真就不能彼此对比，人比人气死人这句老话也是有一定道理的。

陈丹青气质不俗

他画人物画画的溜，对于相对属于艺术禁区的人体就表现的游刃有余。他画《侧卧的人体》，就是属于这么一出西洋景。人家请的模特不是那种泛泛之辈，而是洋女人。金发碧眼不说，也是眉目传情，画作中流露出作为画家对于美独特的理解。正所谓一切尽在不言中，陈丹青将东方的含蓄与西方别样的美进行有机的结合，如此一来就为我们展现出了不一样的美。陈丹青请“洋女人”当模特，匠心独运之下收获颇丰，卖了500万的天价。

陈丹青作品

缘何值了500万的天价？大家注意看陈丹青画作的细节，刻画的很是独到。他没有直接展示人物的美，而是用另外一种表现手法来展现模特的美。我们惊奇的发现，陈丹青的画作之中有一种无言的美，这恰恰是中国传统绘画艺术的精髓：含蓄隽永。

陈丹青人物画

其实，这也符合陈丹青这一代画家的思想状况。陈丹青他们接触油画的时候，正是东西方文化交融的结果。这点人们不难发现，陈丹青《侧卧的人体》亦中亦西，这点外行人还真就很难看出其中精髓所在。

陈丹青作品

陈丹青不能总是关注人家那张嘴，更应该看到人家的画作中，所蕴涵的些许艺术性与独到的辩证性思维。其实，我们不应该把陈丹青请“洋女人”当模特看作是一种另类的叛逆，他并不是在博人眼球，而是他水平不低套路多的表现。艺术就应该像陈丹青这样推陈出新，而不是一味的抱残守缺。唯有革故鼎新，文化才能得以传承，这正是陈丹青身上的艺术创新精神。

关于“陈丹青作品”这个话题的介绍，今天小编就给大家分享完了，如果对你有所帮助请保持对本站的关注！